Jazzfest Berlin 2026

Jazzfest Berlin 2026
Haus der Berliner Festspiele, Quasimodo Jazz Club, A-Train Jazz Club, Chiesa monumentale Kaiser Wilhelm
Berlino
29 ottobre—1 novembre 2026

Il cielo sopra Berlino è plumbeo, con qualche sprazzo di luce che trapela brevemente, prima che torni l'atmosfera cupa. Ma attorno alla Haus der Berliner Festspiele, dove si svolge la maggior parte dei concerti di Jazzfest, i colori sono accesi. La sera, sul tappeto di foglie autunnali, spicca il nervo luminoso delle grandi lettere rosse collocate nel giardino: JAZZ.

L'edizione numero sessantatre del Jazzfest Berlin, senza dubbio uno degli appuntamenti centrali della programmazione di oggi in Europa, orientava la propria navigazione principalmente su due stelle polari, che potremmo definire degli Ottanta e dei Quaranta. Si intendono naturalmente le fasce di età sulle quali il festival puntava l'obiettivo. In effetti, nella multipolarità sempre più estesa, spesso fino al punto di essere forzatamente dispersiva, in cui si caratterizza la serie di approcci che è ancora giusto, seppure problematico, definire jazz, le fasce d'età individuate rappresentano due significativi punti di riferimento orientativi.

Le presenze di Anthony Braxton, di Alexander von Schlippenbach con la sua Globe Unity Orchestra da un lato, e di una folta serie di quarantenni dall'altro, tra cui spiccavano Tomeka Reid, Mary Halvorson, Mariá Portugal, Alexander Hawkins, Christian Lillinger. E ci perdonerà Camila Nebbia se inseriamo pure lei in questa fascia, essendo sulla soglia dei quaranta, ma non avendola ancora varcata. Naturalmente, il festival giocava anche qualche puntata nella fasce intermedie e in quella più bassa, soprattutto con il quartetto del ventinovenne Immanuel Wilkins, del cui concerto, lo scorso luglio con la stessa formazione, abbiamo già parlato nella recension del Merano Jazz Festival and Academy 2026. Accolto pure in questa occasione da un'autentica ovazione del pubblico nella Große Bühne, la sala del grande palco, gremita.

Ma un altro fulcro generazionale è messo bene in evidenza dall'appuntamento berlinese, diretto dal 2018 da Nadin Deventer: l'attenzione verso i più giovani. Per questa occasione, venticinque attrezzatissimi allievi del Jazz Institut Berlin erano coinvolti in un laboratorio intensivo con Braxton e hanno portato con successo i risultati del loro eccellente lavoro in un concerto della JIB Creative Music Orchestra alla Georg Neumann Saal.

D'altra parte, lo stesso motto che introduceva quest'anno il festival era rivolto in particolar modo ai giovani: "Dream Baby Dream" rimarcava il diritto di queste nuove generazioni al sogno reale di un futuro possibile. Lo stesso titolo aveva il film di circa venti minuti realizzato durante l'edizione 2025 del festival e proiettato quest'anno in un paio di occasioni, che coinvolgeva in un montaggio brillante, con tanto ritmo e movimento, con ironia e delicato surrealismo, un cast di circa sessanta partecipanti, con protagonisti giovani e giovanissimi, professionisti e amatoriali. Le parole di Martin Luther King nei sottotitoli imprimevano un senso di combattiva fiducia.  

Restando nel tema della presenza di Braxton a Berlino, l'eminente musicista ottantunenne presentava un inedito in prima mondiale, nuovo sia nell'organico strumentale, un settetto con quattro sassofoni e tre tube, che per quanto riguarda il criterio compositivo, denominato Air Music. Nella "Composition 744" Braxton ha lavorato in particolare sugli insiemi, sulle varie possibilità di impasto timbrico offerto dalla inusuale formazione, con l'utilizzo molto discreto dell'elettronica. Ampie campiture, che variavano e si ripetevano in forma differente secondo le indicazioni gestuali del leader e l'interpretazione dei singoli, appoggiati a una corposa quantità di materiale scritto, si alternavano a brevi interventi solistici. L'ensemble dava comunque l'impressione di essere un tantino guardingo e il leader appariva affaticato davanti alla moltitudine di fogli che scandivano la composizione. Sostanziale, anche sotto il punto di vista organizzativo, il contributo del suo collaboratore abituale James Fei.

Ancora nella sfera di chi ha collaborato a lungo con Braxton, ecco la performance di Tomeka Reid e del suo quartetto, con Halvorson alla chitarra, Tomas Fujiwara alla batteria e Jason Roebke al contrabbasso. I primi tre hanno trovato nella suggestione di Braxton più di un motivo per sviluppare una propria vena personale, pur differente e autonoma rispetto a quella inimitabile esperienza. La musica del quartetto è basata sulla recente pubblicazione dell'album dance! skip! hop! e scaturisce dall'esperienza di una dozzina d'anni insieme, scandita da quattro pubblicazioni. Inutile sottolineare che il gruppo ha raggiunto una coesione mirabile. Rimarchiamo invece che il concerto è stato tra i più avvincenti del festival.

Partito con il brano che dà il titolo al CD, di indubbia forza comunicativa con i continui scambi di unisoni e leggeri sfasamenti, il concerto si dipana tra molti intrecci estroversi, che trasmettono anche alla platea il proprio senso di agio creativo. Tra ostinati in costante mutazione, sottili evocazioni funk, nuclei ritmici a incastro, aperture liriche ("Under the Aurora Sky"), la macchina perfettamente lubrificata non dà mai l'impressione di essere troppo esatta.

Ottima calibratura tra precisione e forza comunicativa, tra contemporaneità e folklore brasiliano ci è stata offerta dal concerto di Mariá Portugal con il suo Erosão Percussion Trio. Anche lei già collaboratrice di Braxton, protagonista della scena progressiva in Brasile prima di trasferirsi a Berlino, l'avevamo apprezzata nell'edizione 2023 del festival berlinese, in trio con Fred Frith e Susana Santos Silva. Nel concerto di apertura alla Große Bühne, Portugal ha costruito la sua proposta in forma di suite, inanellando una serie di episodi tratti dal recente album del trio, dove le articolazioni ritmiche si intrecciavano con meticolosa precisione, senza per questo scivolare nel disegno rigidamente meccanico. Utilizzo calibrato dell'elettronica, alternanza di strumenti percussivi a intonazione fissa e non, metallofoni e membranofoni, interventi della voce in forma di canto folklorico brasiliano, ma anche di ispirazioni differenti, hanno dato vita a una performance ricca e ben architettata.

Una parte importante è stata riservata nel programma di quest'anno agli organici di grande e media dimensione, a partire dalla Globe Unity Orchestra, che ha chiuso gli appuntamenti alla Haus der Berliner Festspiele con un vero tripudio del pubblico. Nell'organico in scena appariva, con sorpresa non annunciata nel programma, il trombettista Manfred Schoof, l'unico componente che affiancava von Schlippenbach nel concerto del 1966 al festival che allora si chiamava Berliner Jazztage, dove l'orchestra fece la sua prima apparizione, commissionata dallo stesso festival. Opportuna, nella sezione della medioteca del Festspiele, la proposta in video di quell'esibizione, che vedeva in scena il giovanissimo e un tantino riservato leader alle prese con le eruzioni di Peter Brötzmann, venticinquenne, e di Schoof addirittura trentenne. Un confronto dialettico interessante con l'attuale contesto.

Ma altri grandi solisti della cosiddetta scena creativa europea erano presenti tra le file dell'orchestra, per questo sessantesimo anniversario, che metteva in campo lo stesso titolo presentato nel '66: Apolalyptische Nabelschau. La contemplazione apocalittica (dell'ombelico!) è ben sedimentata nella percezione collettiva di una compagine che sa creare in modo spontaneo masse di suono in movimento magmatico, in costante ascolto reciproco nonostante la forte individualità dei singoli, il loro spirito tuttora ribelle e irregolare. Tradurre la libertà in musica collettiva organizzata sembra un gioco da ragazzi, per questi personaggi che ragazzi non sono più, ma solo sotto il profilo anagrafico.  

Dall'incandescente insieme introduttivo scaturisce il suono astuto, penetrante, mirabilmente avvitato del soprano di Evan Parker, il sound poderoso e multifonico del trombone di George Lewis, quello del clarinetto e clarinetto basso di Rudi Mahall, della batteria di Paul Lytton. Maestri che insieme costruiscono meraviglie. Così come le costruisce von Schlippenbach, i cui ottantotto anni (lo stesso numero dei tasti del pianoforte...) pesano sulle gambe, ma lasciano tuttora una connessione intensa tra testa e mani. Quando le dita toccano la tastiera, sanno tracciare disegni intensi e delicati dentro il lavoro dei solisti, si intrecciano alle scansioni più energiche di Aki Takase, che gli siede accanto, attenta e premurosa. Sessant'anni dopo, la sua creatura che riunisce sedici incredibili individualità sa ancora coniugare nel proprio operato contemplazione e apocalisse. In modo inimitabile.

Restando in area germanica e di organico allargato, seppure anche qui vi convergano ben sette nazionalità, troviamo il batterista Christian Lillinger con la World Première del suo Open Form for Society II. Orchestra atipica nell'organico, ma certo non così temeraria e ribelle sotto il profilo creativo ed esplorativo. I materiali dell'autore sono tanti, stipati dentro la musica come lo sono gli strumenti sul palco: cinque tastiere tra pianoforti, spinetta, piani elettrici, celesta; tre contrabbassi; vibrafono e batteria. Gli episodi in stretta sequenza proposti dal batterista, tra iterazioni minimaliste, puntillismo tematico e un frequente effetto carillon dell'insieme, non lasciano spazio agli sviluppi. Tante idee vengono e vanno. Certo, potranno essere sedimentate e selezionate nel corso dei prossimi tempi.

Ancora, per quanto riguarda gli organici di ampia dimensione: quelli diretti dal pianista britannico Alexander Hawkins e dalla sassofonista argentina Camila Nebbia hanno offerto prove significative, sempre in anteprima mondiale. Hawkins riuniva nella propria Willow Music una rosa di nomi significativi della nuova scena britannica, ma c'era pure un suo collaboratore romano di vaglia come Marco Colonna. Fin dalle prime battute, la vitalità schietta e intrecciata dei ritmi, delle note danzanti, dei colori, ricordava un'altra grande esperienza libertaria come quella dei sudafricani Blue Notes e Brotherhood of Breath di Chris McGregor. Esperienza che dagli anni Sessanta si impose prolifica nella scena britannica ed europea. Hawkins ha avuto modo di interagire con quella scena, in particolare con Louis Moholo. Grande controllo delle forme, poliritmie e momenti di festosa improvvisazione collettiva hanno definito la performance. Magistrali gli interventi in solo del leader e di Colonna.

Il gruppo di Nebbia riuniva dieci musicisti di sette nazionalità, tra i quali spiccava il nome del britannico Kit Downes, al pianoforte e organo. Qui la caratteristica timbrica era spesso palleggiata dal trio di archi (violino, viola e violoncello) ai fiati, con utilizzo sempre discreto dell'elettronica. Nei brani della sassofonista spicca un ventaglio ampio di impianti timbrici e di situazioni, che passano dalla libertà completa dell'insieme agli episodi dei sottinsiemi, in particolare del sax tenore della leader, del trombone e dell'organo Hammond. La varietà è gestita con un'idea coerente di narrazione, il tutto accompagnato dalle elaborazioni sullo schermo alle spalle dell'ensemble, una costante metamorfosi di forme e tonalità che dialoga con la musica, realizzata dalla stessa Nebbia e da Andro Manzoni.

Fitta interazione tra musica e realizzazioni grafiche in movimento, suggestiva sullo schermo che occupa tutto lo sfondo del palco, è presente pure nel concerto di un organismo che presto compirà il trentesimo anno di attività: Chicago Underground Duo di Rob Mazurek e Chad Taylor. Un nucleo che, nel corso del tempo, si è esteso maggiormente, ma che tuttavia mantiene vitalità nella formula a due. Mazurek inscena la propria personalità istrionica, che oscilla anche con scossoni repentini tra disegni astratti alla piccola tromba, impostazione di groove incalzanti e di rumori con la consolle elettronica, motivi di folklore immaginario, veri e propri rituali religiosi svolti con ironico surrealismo. Taylor, con la solidità che gli conosciamo, lo asseconda e dialoga piazzando disegni percussivi dalla geometria precisa, tra Africa e ritmica metropolitana.

Tra le proposte nella Große Bühne citiamo ancora il New Quartet del trombettista statunitense di origini irachene Amir ElSaffar, nella cui musica si mescolano idee di jazz contemporaneo e umori mediorientali, soprattutto nell'uso della voce e del dulcimer orientale santur. Poi il trio con il pianista germanico Georg Graewe, immerso nel proprio fitto reticolo astratto, con il contributo di una ritmica altamente reattiva, convogliata da Brad Jones al contrabbasso e Hamid Drake alla batteria. Il concerto conclusivo allo storico club Quasimodo, prima del party elettronico finale, ha visto in scena nel locale affollatissimo il quartetto Clone Row del batterista Ches Smith, con due chitarre (tra cui ancora Halvorson) e contrabbasso. Un forte impatto sonoro per gli intrecci elettrici, acustici ed elettronici che indagavano ardite formule poliritmiche e polimetriche.