George Lewis: Sequel (For Lester Bowie)

Diciamo subito che questo è un disco importante e significativo, sia per la carriera artistica di George Lewis che per gli sviluppi della sperimentazione elettro-acustica. È stato registrato in studio e dal vivo nel 2004 (a Baden-Baden, nei giorni del New Jazz Meeting, a Rottenburg e Basilea) e vede il trombonista guidare un composito ottetto d'improvvisatori provenienti da vari ambiti espressivi: Jeff Parker alla chitarra elettrica (dal gruppo rock Tortoise); la moglie giapponese di Lewis, Miya Masaoka al koto; il batterista Guillermo E. Brown (già con David S. Ware), l'inglese Kaffe Matthews e i tedeschi Ulrich Müller e Siegfried Rössert specialisti di elettronica applicata a contrabbasso e chitarra; la DJ araba Mutamassik ai giradischi.

George Lewis alterna l'uso del trombone al laptop ma svolge un chiaro ruolo di compositore e leader.

Una foto del booklet, che lo vede giovanissimo alle prese con un arcaico computer, ci ricorda il trentennale coinvolgimento del trombonista di Chicago con l'elettronica musicale: nel 1979 affiancava quest'ultima al trombone in Homage to Charlie Parker (Black Saint) e dieci anni dopo realizzava l'ampio lavoro multimediale "The Empty Chair", presentato anche in Italia, al festival Verona Jazz. Erano solo alcune tappe di un percorso di studio e lavoro tanto ricco quanto misconosciuto, che oggi torna a catalizzare l'attenzione.

L'opera centrale del disco è "Sequel", una composizione di quasi 34 minuti dedicata a Lester Bowie, che coniuga tanto la dimensione scritta e improvvisata quanto quella acustica ed elettronica.

"Sequel" è strutturato in sei parti, e solo due sono collettivamente improvvisate. "La partitura - dice Lewis - permette ai musicisti di scegliere tra varie opzioni. Essi possono rispondere non solo a quanto è scritto ma anche alle sollecitazioni reciproche".

È ovviamente impossibile tentare una descrizione dell'opera, vista la sua complessità. Diciamo che l'impegno dell'ascoltore attento è ampiamente ripagato da un lavoro, certamente intenso per i non avvezzi all'avanguardia, ma ricco di sorprese, felici e imprevedibili. La parte iniziale dell'opera si snoda in una sorta di lucida incompiutezza: evanescenti quadri cameristici dalla timbrica soffusa che si espandono come nuvole (la relazione corre subito all'estetica della tuba band di Gil Evans, ampiamente rivisitata). Segue una pregnante e ritmica sequenza improvvisata che pone in relazione strumenti acustici (trombone, chitarra elettrico, basso e percussioni) e parti sintetizzate mentre il finale torna alla dimensione intima ed evanescente, dando spazio al koto di Miya Masaoka.

Gli altri tre brani, di media lunghezza, tendono a privilegiare la libera improvvisazione, con riferimento al free e all'ambito etnico. Una musica affascinante per coerenza interna e ricerca di nuove soluzioni timbriche.